3er Safari Urbano Audiovisual (La crónica)

 

Por Vizzor

Sábado 7 de Junio. Son las 15hs cuando me encuentro caminando por Av. Del Libertador, a cuatro cuadras de la Estación de Retiro donde estaba estipulado el punto de encuentro para el 3er SAFARI URBANO. Muy abrigado por miedo a la baja temperatura y la posibilidad de lluvia (llegué incluso a llevar un mini paraguas en mi mochila), me quito la bufanda, acalorado ya por la caminata, y termino por arribar al lugar en cuestión. Veo un grupo de personas con sus cámaras y mochilas, ansiosos por tomar fotografías.

Más personas se acercan. En frente mío, el Museo Ferroviario y su magnífica estructura edilicia acaparan la atención, mientras a mi izquierda se extiende un empedrado cubierto por barro que nos acerca unos metros más a las vías del tren. Un precario cartel reza “Gato Viejo, atelier de Carlos Regazzoni”, una flecha indica el camino, el único posible, a decir verdad pero probablemente sea un voto de confianza para evitar futuros desertores.

Estructuras de metal parecen surgir del barro y de la chatarra misma; el viejo atelier y las obras de Regazzoni aparentan extenderse por todo el terreno ¡incluso enormes hormigas lo hacen por lo alto! La ciudad porteña queda ahora atrás, casi olvidada, el interés de los presentes se concentra en las formas de metal que nos remiten directamente a animales, insectos, aviones, y maquinaria de todo tipo.

Cuando dábamos por sentado que el artista no se haría presente, suena una campana y nos sorprende con su irónico sentido del humor (a modo de reto) pero finalmente nos extiende su cordial invitación al recinto. Una vez dentro, nos encontramos con una fusión de bodegón antiguo y taller donde obras y estructuras, de diversos tamaños, son exhibidas para el deleite de quiénes se aventuren por aquellos pagos. Vehículos clásicos, pinturas, esculturas, y arte contemporáneo componen el variado catálogo artístico de este hombre.

Luego de disfrutar la oportunidad que tuvimos para grabar videos y tomar fotografías, saludamos a Regazzoni por última vez y nos dirigimos hacia el Museo Nacional Ferroviario Raúl Scalabrini Ortiz. Un edificio moderno, que cuenta con una exposición interesante y objetos dignos de un patrimonio histórico. Una colección de trenes, relojes y teléfonos antiguos, aparatos de telegrafía tipo Morse, por nombrar algunos. Lo que me llamó la atención fue un pequeño tesoro con el que uno se topaba en el primer piso del Museo. Una colección de cámaras fotográficas imperdible: una cámara francesa de madera (con manija transportadora de cuero) y otra con caja de madera y elementos de bronce; del 1900, realmente preciosas. Un diseño norteamericano marca Folmer&Schwing, división Eastman Kodak, para fotografías profesionales, y una máquina concebida para fotografías panorámicas (objetivo Goerz, Berlín), seducían a cualquier visitante. También exhibido: un fotómetro de fabricación inglesa con visor rectangular (caja de baquelita) de 1919, y una ampliadora fotográfica inglesa con tubo telescópico, marca Thor Pick Ard Ruby. Verdaderas reliquias que todavía conservan todo su atractivo característico.

Afuera nos saludamos y tomamos una foto, un lindo recuerdo pero –más que nada- un invaluable cierre para una jornada que celebramos todos los allegados a BAO y al audiovisual.

Stanley Kubrick y la fotografía 3ra parte

 Por Vizzor.

 El beso del asesino (1955) fue el primer largometraje del cineasta, quién motivado por las buenas críticas recibidas por Fear and Desire, decide retomar la iconografía pugilística para transformarlo ahora en un policial negro (Film Noir). No es un dato menor saber la importancia que la ciudad juega dentro de este género, tan popular por aquellos años, y las capacidades fotográficas del joven Stanley.

“Dado que no tenía permiso para rodar en las calles de New York y que su equipo de producción no estaba sindicado, el director recurrió a tácticas de guerrilla y subterfugios”.

Paul Duncan, Stanley Kubrick, Filmografía completa, Taschen.

  Su estrategia fue esconder la cámara y tratar de obtener buenas imágenes, a pesar de las malas condiciones de luminosidad. Junto a su equipo, trataba de grabar en locaciones donde la gente no se diera cuenta de que los estaban siendo filmados; y se vieron forzados, incluso, a sobornar policías para poder finalizar la jornada.

 

Un dilema de producción que debió resolver fue el sonido. Para evitar que el presupuesto del film se elevara más de lo previsto, decide filmar con sonido directo; sin embargo, debía utilizar micrófonos jirafa que provocaban sombras y limitaban los movimientos de cámara. Kubrick opta por no condicionar su imaginario visual aunque esta elección le costaría 35.000 dólares más junto con siete meses de postproducción sonora.

 En cuanto al estilo característico de El beso del asesino, hay una clara ruptura con la tradición clásica-narrativa de Hollywood. Podemos nombrar: el uso de un encuadre simétrico, mucha cámara en mano, plano-secuencia, cámara  a nivel del piso-contrapicado, fuertes angulaciones dramáticas que enfatizan el uso de sombras expresionistas, la original composición de encuadres para generar una relación personajes-ciudad y la utilización del montaje paralelo en secuencias climáticas.

 “Como hizo el director Orson Welles, Kubrick transformó los modelos clásicos para producir un nuevo género cinematográfico en el que el plano secuencia no está al servicio del realismo”.

 Bill Krohn, Maestros del Cine, Cahiers du Cinema.

 Esta película fue su primera y última producción independiente, ya que termina vendiéndosela a United Artists por 75.000 dólares, aunque a duras penas logre cubrir el gasto de la producción. Pero UA sería la puerta para su próximo proyecto, más ambicioso, llamado en nuestro país Casta de malditos o El atraco perfecto (The Killing); obra de la cual se continuaría hablando hasta el día de hoy. 

(continuará…)

Reflejos del Devenir

 

Por Raoul Duke

“La aterradora inmensidad de los abismos del firmamento es una ilusión, un reflejo exterior de nuestros abismos”.

Con esta inquietante frase de Jorge Luis Borges (extraída de El espejo de los enigmas) se topa uno al ingresar a la sala donde se exponen las obras recientes del artista Juan Doffo en la Galeria Rubbers. La muestra, titulada Breves pasajes de luz (y que finalizó el 28 de mayo), es un recorrido por pinturas y fotoperformances que sirven como metáforas visuales o instrumentos que guían los sentidos hacia el territorio de lo simbólico, lo no configurado.

El propio artista se encarga de allanar el terreno: “La exposición afirma un aspecto de mi persona, que es la necesidad de crear estructuras, formas simbólicas, para vivir. Lo cotidiano es una construcción de cada día y le vamos dando forma sobre un plan, sobre una estructura, una arquitectura de lo real. Así trabajo yo: primero encuentro una geometría, una estructura y luego me dedico a volar, a jugar, a crear en base a la estructura. Uno puede dominar técnicas pictóricas o técnicas de cualquier tipo, pero si no tiene nada para decir, entonces no hay obra de arte”. Esto es evidente en todos los trabajos que conforman la muestra: universos que se disparan multiformes a partir de una actividad mental; espacios abiertos salpicados con luces, líneas, puntos; o pequeñas formas encerradas en paisajes de color como en estado embrionario. Los títulos, por su parte, son a la vez sugerentes y enigmáticos. Podemos encontrar nombres como “El alquimista piensa en las secretas leyes”, “Tal vez apenas somos reflejo” o “Espacios que ignoro y que me ignoran”, cuya apertura e interrogación parecen ser simples ventanas a través de las cuales el visitante debe arrojarse, desprenderse, en un ejercicio profundo de interpretación libre y canalización de lo percibido.

                                                                          Extraño sueño que no fue todo sueño: San Pablo bajo la lente surrealista de Juan Doffo

Doffo estudió Religiones Comparadas (que analizan las diferencias de interpretación de temas e ideas comunes a las distintas religiones del mundo) y se acercó al Zen. De esas disciplinas tomó conceptos que son centrales para comprender su visión. Adoptó la postura de Hermes Trismegisto, quien asegura que "todo es mente, todo es percepción de la mente”, así como que “vivimos entre dos infinitos y la única certeza es el instante, un pasaje de luz, y no debemos perder la capacidad de hallar el centro en ese instante”.

Pero quizá para entender mejor el estilo del autor haya que retrotraerse a sus orígenes en Mechita, un pueblo ferroviario de la provincia de Buenos Aires. Rodeado de llanuras inmensas y cielos enigmáticos, Doffo fue desarrollando una curiosidad incipiente por los fenómenos de la metafísica y la filosofía. De hecho se dice que aún conserva su casa allí, donde instaló una cama afuera para que sus hijos pudieran disfrutar la simple experiencia de mirar las estrellas.

El conjunto de las fotoperformances son fruto de la estadía del creador en una fazenda de San Pablo durante el mes de febrero, cuando fue invitado junto a otros artistas en el contexto de una residencia internacional. En ellas el elemento privilegiado es el fuego, como símbolo y enigma, que irradia paisajes salvajes, oscuros, nocturnos, casi como si se tratara de alguna clase de rito. Anillos sangrantes, troncos enardecidos por las llamas, rajaduras volcánicas; todos mensajes indescifrables provenientes de un más allá que juega con lo onírico, lo abismal. En el fondo, metáforas visuales que intentan dar respuesta a interrogantes universales: el amor, la belleza, el arte, la vida, la muerte, las creencias religiosas, el tiempo infinito.

Para cerrar, me quedo con las palabras de Lucas Beccar, que figuran en el prólogo de la muestra: “Doffo pinta ecos y extraños sueños que no son del todo sueños. Nos recuerda que la realidad es la que vivimos, recordamos y soñamos como breves reflejos en el devenir cósmico”.

3er SAFARI URBANO AUDIOVISUAL

¡Atenti! ¡Damas y caballeros, se viene el 3er SAFARI URBANO AUDIOVISUAL! 

 Esta vez, el sábado 7 de junio, estaremos visitando el magnífico atelier “El Gato Viejo” del artista Carlos Regazzoni y su impresionante galería de arte. 

 Nos encontraremos con un espacio digno de ser fotografiado: esculturas y estructuras de diversos tamaños y materiales que parecen brotar por doquier; pinturas modernas que remiten a la ciudad, ¡deshechos ferroviarios convertidos en pura expresión artística! Una gran oportunidad para registrar con nuestras cámaras una experiencia cultural que ha gozado de reconocimiento internacional. 

 Nacido en 1943, Regazzoni vive y trabaja en los viejos galpones del ferrocarril. Tanto su obra como la de los noveles artistas que se exhiben y permanecen -resistiendo- por fuera del circuito tradicional (o institucional) que el arte moderno ha designado como “viable”. Podemos decir que su arte, el espacio elegido y el contexto porteño (estratégico), desde donde emerge su atelier, como representación conceptual-ideológica de su dinámica reciclado-escultura que nos devuelve la noción de que otro tipo de expresión es posible y necesaria.

  Estaremos visitando el taller radicado en Av. Del Libertador 405 (esquina Suipacha) Galpones 1-5; el sábado 7 de junio, de 15hs-17hs. ¡Acompañá a BAO en esta exploración adiovisual, por el terreno del arte!

¿Qué es la Fotografía?

Por Leandro Faingerch.

  Preguntas. ¿Por qué nos gusta la fotografía? ¿Cuántas veces evaluamos el carácter ontológico de aquellas cosas hacia las cuales nos precipitamos vorazmente para poder captarlas en un punto temporal?

 Este año la feria arteBA otorga un lugar preponderante a la fotografía con la inauguración del espacio Photobooth Citi, dedicado exclusivamente a esta disciplina con diez artistas históricos y emergentes. Entre ellos, Adriana Lestido, Alicia D’Amico, Annemarie Heinrich, Marcelo Brodsky y Facundo de Zuviría.

 La edición inaugural está curada por el español Octavio Zaya, quien justamente problematizó la práctica fotográfica a través de un eje imposible de dejar de lado: la historia.

Zaya parte de un análisis de la fotógrafa neoyorquina Zoe Leonard, quién se pregunta: ¿la fotografía es una cosa, una imagen, o es una manera de ver? Y el español se empalma de esa reflexión, se aprovecha positivamente de ella e introduce la práctica de la instantánea en el contexto de una modernidad que parece absorber las autonomías.

"En este mundo en que vivimos, saturado de imágenes, la práctica fotográfica se ha venido expandiendo, de la mano del arte contemporáneo, para repensarse y re-imaginarse en el contexto de nuestro tiempo imprevisible e inexcrutable", sostiene Zaya a propósito de la inauguración del espacio en arteBA.

Fotografía, por Adriana Lestido.

La modernidad -post moderna, post post moderna, líquida, autodestructiva, etcéteras- tiene un aspecto inevitable, más allá de las acentuaciones valorativas que intentemos darle: las nuevas tecnologías.

Es indudable que el surgimiento de las redes sociales y la diversificación de medios ha servido de plataforma de expansión fotográfica y que ha posibilitado un aumento considerable de su consumo.

Nuevas tecnologías, redes sociales, volatilidad, consumismo. Todos conceptos susceptibles de asignación valorativa. Pero entre todas estas formulaciones teóricas, "ya no podemos afirmar que la fotografía descontinúa nuestra historia, encuadrando la realidad para cortarla y congelarla como un producto y colección de fragmentos", señala Zaya.

Y concluye: "La fotografía, por el contrario, sería una práctica que establece relaciones y participaciones —entre el espectador potencial, el fotógrafo y el sujeto de su foto— inseparables de las vicisitudes y catástrofes de nuestra historia". Fotografía en la historia, entonces.

2do Concurso y Festival Nacional de Cortos Radiales-Audiovisuales

     

BASES

 En el marco del Segundo Concurso y Festival Nacional de Cortos Radiales y Audiovisuales BUENAS PRÁCTICAS – JÓVENES Y MUNDO DEL TRABAJO, La Crujía – Centro de Comunicación, asociado con Buenos Aires Oculto 2014, organizan una competencia de fotografía abierta convocando así, a colectivos de artistas, profesionales, instituciones, aficionados y público en general.

 El Festival tendrá lugar el 19 de junio de 2014 en la Biblioteca del Congreso de la Nación, Alsina 1835 – CABA. El mismo tendrá como eje temático: 

“Jóvenes y el mundo del trabajo”.

 El concurso destacará y premiará las fotografías que registren la temática –arriba propuesta- con el fin de promover la difusión de artistas, estudiantes, profesionales o autodidactas, brindándoles la oportunidad de demostrar sus capacidades creativas y expresivas; y también, permitiendo la visibilidad y el debate alrededor de una temática social de pleno interés para ambos colectivos.

La participación en el mismo es totalmente gratuita, e implica el conocimiento y la aceptación del presente reglamento.

Cualquier circunstancia no prevista en las bases, será resuelta por las organizaciones convocantes o el jurado del concurso.



TEMÁTICA

Buenas Prácticas – Los jóvenes y el mundo del trabajo

 El presente concurso no impone ningún lugar específico o algún tipo de condicionamiento, en el más amplio sentido, que tenga que ver con la forma en que se toma la fotografía, ni con la interpretación que cada participante haga de la temática propuesta.

Participarán aquellas fotografías que rescaten y registren las buenas prácticas vinculadas a cualquiera de las siguientes 4 áreas temáticas:

• Cooperativismo y autogestión: experiencias colectivas que potencien la participación de los jóvenes, la gestión democrática y/o la organización de experiencias de trabajo centradas en la transmisión de valores cooperativos.
• Emprendedores: experiencias de trabajo de cualquier rubro, surgidas de ideas creativas, iniciativas propias (individuales o grupales) que se estén ejecutando. 
• Sindicalismo: situaciones de buenas prácticas de intervención sindical frente a conflictos, vulneración de derechos, trata de personas, promoción del empleo joven, etc.
• Oficios: se trata de rescatar transmisión de estos saberes a las nuevas generaciones, recuperar experiencias de capacitación e inclusión de jóvenes en oficios y saberes prácticos. 



RECEPCIÓN DE LOS MATERIALES

La inscripción es gratuita y está abierta a colectivos de artistas, profesionales, instituciones, aficionados y público en general.

Se recibirán las fotografías que participen hasta el 31 de Mayo inclusive, a través del envío virtual a concurso@buenosairesoculto.com.ar.



CONDICIONES DE PRESENTACIÓN

-Las fotografías deberán ser digitales, formato entrega JPG (aunque originalmente se hayan realizado en forma analógica).
-Las obras podrán ser a blanco y negro o a color (queda a criterio del participante).

Cada participante deberá enviar de 1 (cantidad mínima) a 3 (cantidad máxima) fotografías con resolución de 300 PIXELES/PULGADA (equivalentes a 2083 x 1383 pixeles), acompañada/s por los siguientes datos: título, nombre del autor y nombre de la institución (de pertenecer a una).

Tamaño y peso: Mayor o igual a 5 mega pixeles. Peso del archivo de 2 a 7 MB.

Los participantes deberán tener plena autoria intelectual sobre las fotografías (según la Ley 11.723 de Propiedad Intelectual).



PREMIOS

El concurso contará con primero, segundo y tercer premio que consisten en: 

Primer lugar: Voucher por 750 $ en libros + diploma de BAO.
Segundo lugar: Set de libros + diploma de BAO.
Tercer lugar: Set de libros + diploma de BAO.


 Independientemente, el jurado podrá asignar –si así lo considera- menciones temáticas (sindicalismo, cooperativas y autogestión, oficios, emprendedores) o cualquier otra mención no prevista en estas bases.
 Los jurados podrán designar los premios a más de un participante o bien declararlo desierto, si así lo consideraran. La decisión del jurado será inapelable.


JURADOS Y EXHIBICIÓN DE LAS FOTOGRAFÍAS

 El jurado estará integrado por tres invitados/as pertenecientes al colectivo Buenos Aires Oculto, profesionales de distintas áreas de la cultura.

 Las fotografías ganadoras se conocerán y exhibirán el día del Festival, 19 de junio de 2014, en la Biblioteca del Congreso de la Nación – Alsina 1835 – CABA. 

 También serán publicadas en las redes sociales pertenecientes al colectivo Buenos Aires Oculto (www.facebook.com/BuenosAiresOculto).

Paparazzi: Cazadores de lo prohibido

Por Raoul Duke

Imaginate tener la certeza que hagas lo que hagas, vayas a donde vayas, estés con quien estés, van a estar esperándote a Vos, su presa. Como las Erinias, esas deidades griegas que perseguían a los culpables día y noche siendo imposible evadirlas, ni siquiera con la culpa. Imaginate tener la sensación de vivir en una enorme pecera a la vista de todos, ser una vidriera permanente, estar desnudo frente a la lente ajena.

Días atrás, se estrenó en el Centro Pompidou-Metz de Paris la exposición “¡Paparazzi! Fotógrafos, estrellas y artistas”,  que rinde honor a los grandes representantes del “género” como Ron Galella, Daniel Angeli o Pascal Rostain. La antología está compuesta por 600 obras que incluyen: fotos, vídeos, esculturas y pinturas. El propósito es abordar la profesión en toda su complejidad. Sus mitos, particularidades, mutaciones, efectos; pero en especial la ambigua relación entre los paparazzi y las celebridades a través del tiempo. Está dividida en tres partes: La alfombra roja; Interview (donde los visitantes quedan expuestos a una lluvia de flashes como si fueran stars), y el kiosco, que muestra cómo las revistas y diarios satisfacen su demanda con su propia retórica y diseño.

La muestra, sin embargo, es también un recorrido sobre la permeabilidad que ha tenido esta particular estética en el campo del arte contemporáneo, donde reconocidos creadores se han reapropiado de sus códigos. “La idea era elaborar un proyecto científico de un fenómeno con un siglo de existencia, pero que nadie ha estudiado con atención”, asegura Clément Chéroux, el comisario de la expo, quien agrega: “Los paparazzi no son artistas, porque no trabajan con la voluntad de hacer arte, pero su obra tiene una calidad estética involuntaria (…) Si los creadores de la última mitad de siglo no tardaron en reinterpretar sus códigos es porque eran conscientes de que la foto robada simbolizaba su tiempo”. Esto es tan evidente como que  la intrusión en la vida ajena se ha convertido en una práctica socialmente aceptada. “La idea era elaborar un proyecto científico de un fenómeno con un siglo de existencia, pero que nadie ha estudiado con atención”, sugiere Chéroux.

El escritor Salman Rushdie, sostuvo en declaraciones recientes que el debate en la exposición se centró en la idea de poder. "La figura pública se complace en ser fotografiada sólo cuando está preparada, en guardia, se podría decir, pero el paparazzo sólo busca el momento de descuido. La batalla es por el control, por una forma de poder. Se libra entonces una batalla sin fin por el control de la imagen", puntualizó. Como ejemplo de esas “batallas”, se recuerda en la muestra al legendario Ron Galella, “a quien Marlon Brando rompió la mandíbula, Richard Burton mandó a la cárcel y contra quien Jackie Kennedy obtuvo de la justicia un interdicto de acercarse a ella y a sus hijos a menos de 45 metros”, tal cual se aclara. Así y todo, nunca dejó de sacar fotos.

Todos coinciden en que las grandes dificultades de la profesión comenzaron el 31 de agosto de 1997 con la muerte de la princesa Diana, víctima de un accidente automovilístico cuando ella y su compañero eran perseguidos por paparazzi por las calles parisinas. La investigación oficial atribuyó las causas del accidente a la velocidad y al conductor, alcoholizado. Pero el triste episodio frenó el ardor editorial. De golpe las fotos de los paparazzi ya no daban gracia. “Antes había un cierto glamour en nuestra profesión, ahora se nos considera unos busca m…”, lamenta Daniel Angeli, quien recordó que en su época perseguía a Sofia Loren, Orson Welles o John Lennon y no a oscuros desconocidos que conocen la gloria fugazmente para volver luego al olvido. A su vez, todo ellos son bien conscientes de que su especialidad es considerada como la más baja dentro del periodismo y no dudan de llamarse a sí mismos “ratas”, como lo afirma Pascal Rostain, uno de los más célebres referentes, en el catálogo de la exposición. La ironía, sin embargo, es que no hay tanta distancia entre el fotógrafo de guerra, y el “perseguidor”. De hecho existen numerosos ejemplos de profesionales que pasaron de un género a otro. Por ejemplo, Nick Ut, autor de la imagen de la pequeña vietnamita quemada por el napalm en 1972, es también autor de una imagen de Paris Hilton de 2007 en un auto de la policía.

La exposición abre sus puertas con La Dolce Vita, película clave en toda ésta historia. De ahí la inmortalización del término “Paparazzo”, sobre cuyo origen se han tejido numerosas hipótesis. En su libro “The Facts on File Encyclopedia of Word and Phrase Origins”, Robert Hendrickson apunta que aquella era la palabra con la que en Rimini (ciudad al norte de Italia de donde era originario Fellini) se referían al molesto y continuo zumbido de un mosquito (pappataci) y que fue utilizada por el director por la similitud entre el zumbido del insecto y el habla rápido, insistente y atropellado tan peculiar que tenían los fotoperiodistas cuando pedían a las estrellas que posasen para ellos. Otras versiones (menos creíbles) indican que éste era el mote de un compañero suyo de la escuela cuando era pequeño y otros señalan que es la unión de las palabras pappataci (mosquito) y ragazzo (muchacho). De lo que no hay dudas, es sobre quien inspiró al personaje; se trata del fotógrafo de prensa Tazio Secchiaroli, uno de los fundadores de la agencia Roma´s Press Photo, especializada en imágenes robadas a los famosos.

                                                                                                                   

El director intuía que algo olía a podrido en el mundo de la farándula, mucho antes de que llegase la inquisitiva prensa rosa actual. La Dolce Vita (1960) era un retrato sobre la decadencia, perversión y frivolidad de una sofisticada pero corrompida aristocracia, la banalidad del star system y, desde luego, los parásitos que les rodean, esos que les hacen el juego o mendigan fotografías e historias sensacionalistas con las que alimentarse.

Pero si Fellini les dio su nombre, su origen data desde antes de los años 60. Algunos sitúan su nacimiento ya en las primeras ediciones del Festival de Cannes, otros en el Hollywood de los años 20. Pero algunos enamorados de la historia se remontan más lejos, cuando en 1888 el fotógrafo Giuseppe Primoli sorprendió al pintor Edgar Degas saliendo de un baño público parisino o aun diez años después cuando los fotógrafos Max Priester y Willy Wilcke sobornaron a una empleada y tomaron la foto del canciller alemán Bismarck en su lecho de muerte. Era la gran época del glamour y no era inhabitual que se tejieran lazos entre unos y otros; se solía llegar a un acuerdo informal: las estrellas posaban para una foto y a cambio los paparazzi las dejaban en paz. Pero con el tiempo la relación de las estrellas con los medios cambió. “Mostramos circunstancias donde hay acuerdos entre la estrella y los paparazzi. Algunas estrellas los han usado para relanzar su carrera, para pasar información difícil. Nosotros tratamos de mostrar esos matices”, admite Cheroux en relación a la muestra. El propio Secchiaroli lo sintetiza de esta forma: “El día que los paparazzi dejen de correr detrás de las estrellas, las estrellas van a correr detrás de los paparazzi”.
 

Mucho se ha discutido a lo largo de los años sobre la mecánica utilizada por estos fanáticos de la instantánea para lograr su objetivo. Enric Bayón, autor del libro “Secretos de un Paparazzi”, argumenta que la principal herramienta es pasar de ser percibido, no ser visto. “De esa forma, sacás lo mejor de ese personaje de manera natural”, confiesa. Otros, como Francis Apesteguy (ex-paparazzo), desglosan que en definitiva se trata de una construcción. “No hay que dejarse envolver por falsas creencias y hay que saber esperar. Para esperar, está Cartier-Bresson, quien dejó una bella frase filosófica. Él se para en la calle, ve un cuadro, lo encuentra interesante y espera. Y para saber esperar, él dice: ‘No hay que querer nada porque sino tendremos nada’. Un buen paparazzo es aquél que llega a integrar esa frase”.

“La vida no son detalles significantes, iluminados por un flash, fijos para siempre. Las fotografías sí lo son”.

                                                                                                                                                                       Susan Sontag